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商品撮影のヒント集

いまネット上に存在する商品撮影のサービス会社には低価格と高品質!?を掲げた撮影をアピールする傾向が強くなっていますが、弊社に寄せられるご相談の多くが他社の撮影の撮り直しを希望しているものです。

デジタル一眼レフカメラの普及によって商品撮影を低価格で行なう業者が増えた一方で、本当の意味で品質の良い写真の仕上がりを期待できる会社が少なくなっていることも事実です。
このページでは「商品撮影のヒント集」と題して、撮影者とサイト制作者の立場の両方の視点から業者に依頼する前に知っておくべき商品撮影に関する知識などを公開していきます。

撮影照明と光の質の違い
最近では商品撮影キットで、「ストロボ+アンブレラ+スタンド」がセットになったお手軽撮影機材のセット販売みたいなものがあります。
こうした初心者向けキットでは、「コレさえあれば何でも撮れます!」的な触れ込みを目にしますが、この文言が少々疑問だったので、私なりに光の特徴から環境にあった照明機材について書き留めたいと思います。

照明機材といえばアンブレラがベスト・・なのか!?
一般的には撮影照明機材となるとアンブレラやボックスタイプが主流ですが、一見すると同じような照明効果のように感じてしまいがちですが、比較すると違いはあります。

まず、こうしたボックスやアンブレラを使用する理由は主に2つあります。
・光の質をコントロールする。
・光の方向をコントロールする。


この2点についてはボックスでもアンブレラでも意味としては同じですが、「集光性の違い」においては決定的に異なります。
ボックスライトは「スポットライト」、アンブレラは「点から面へと変化するライト」と呼んでも良いかもしれません。

それぞれの光の拡散方法を知る
拡散光というと「どれだけ光が広範囲に行き渡るか?」ですが、ボックスとアンブレラではストロボ装着時の向きがまず違います。
ボックスライトはストロボ電球の向きはボックスの面に向いているのに対して、アンブレラは一旦跳ね返った光を飛ばす方向(傘の内側)に向いている違いがあります。(アンブレラタイプでも1部仕様が異なる場合はあります)
懐中電灯で例えると、ボックスは人物に直接向けたような光、アンブレラは壁に跳ね返して照らしている感覚です・・例えが分かって頂けると嬉しいです(笑)

次の画像をご覧下さい。
上記の光の向きの違いにより、ボックスとアンブレラでは「光の拡散の仕方」が異なります。
アンブレラは距離が遠ざかるにつれて拡散率は大きくなりますが、ボックスは単一方向に向かって光が伸びていくイメージです。

ボックスライトとアンブレラの違い
こうした光の特徴がどのような影響を及ぼすのか?
例えば、人物の顔を中心にライティングしたい場合は、どちらでも比較的簡単にライティングは行なえます。
しかし、全身を均一に照らそうとすると、アンブレラの場合は拡散率が高いので、100の光を被写体に100届けるのは厳しくなります。
光量の集光性が高いボックスであれば100の光をロスを最小限に抑えて照らすことができます。
ただ、集光性が高いという事はそれだけ「人工の光」のイメージが強くなりやすく、太陽のような自然な光を作ることは難しくなります。

一概には言えませんが、物撮りのような人物以外の撮影を想定した場合は「狙った所に光を簡単に当てることができる」この点で、ボックスライトがお勧めですが、人物撮影の場合はアンブレラの方が撮影照明のコツを掴みやすいようです。
人物なのか?物撮りなのか?・・・この違いで最初に揃えるべき照明機材の参考にして頂ければと思います。

どちらが有利ということではなく、写真の仕上がりに合った機材を選ぶことが重要で、「お手軽キット」と書いてあっても、目的によってはお手軽ではない場合があることを覚えておいて下さい。
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クリップオンストロボ(スピードライト)選び方
商品撮影などで使うストロボについてですが、「モノブロックタイプ」と「クリップオンストロボ」どちらを買うべきか?
そもそもこの2つのタイプのストロボは重量も機能も全く違いますが悩む方もいるようです。

ご存知のように「モノブロックタイプ」のものはコンセントから電源を取るのに対し、クリップオンストロボ(スピードライト)は電池式が一般的です。
もちろん、軽量コンパクトという点ではクリップオンストロボとなりますが、仕様表を見たときに「どういうこと?」と悩んでしまうのがGN(ガイドナンバー)の表示でしょう。
少し調べればガイドナンバーは「光が適正露出で届く距離」を示していることは分かるはず。
しかし、仕様表には「一定の条件下でのガイドナンバー表記」であるため、自身の持っているレンズや撮影環境下でどこまで光が届くのか?という疑問が湧いて、少しでもガイドナンバーの高い商品を選ぼうとしてしまうのです。

実際、私も8年ほど前にガイドナンバーが高いクリップオンストロボを買った経験があります。
それがニコン純正の機種SB800です。
購入の経緯はロケ先でモノブロックタイプも設置できないスペースでの撮影が入った為です。
同じものを2台購入し、サブとしてサード製の安価なものを2台、合計4台で現場入りしました。

結論から言えば「発光+光の演出」という点で高価な機材は必要なかったと感じました。
撮影スタイルにもよりますが、任意に個々のクリップオンストロボの光量さえ変更できれば、適正露出は露出計で測ってしまうので、自動調光などの項目は全く使いませんでした。
つまりメイン、フィルライトの設置と光量バランスさえ掴めれれば「何とかなる」のです。

ではSB800の仕様を見てみましょう。
ガイドナンバーと仕様表の見方
F値が1の時に35mm+ISO100で撮れば38m届く・・・
その他、多種多様なパターンでガイドナンバーは変わる!!
これってクリップオンストロボの数が増えれば何の指標にもなりません(笑)
というか、露出計で測ってしまえば一発です。

これもまた使用環境にもよりますが、私の場合、カメラにクリップオンストロボを装着することはありません。
使用状況はカメラから離して「ストロボを仕込む」ことが多いので、ワイヤレスで同調発光すればOKなのです。

多分、クリップオンストロボを検討されている人に相談されたら、「ガイドナンバーは気にしなくてもOK!」と答えるでしょう(笑)
今はもうデジタル一眼レフが全盛の時代なので、よほど特殊な撮影でなければ、光量不足はISO感度を上げれば、解決します。
付け加えるならば、人物撮影で30m以上離れた被写体に向けて写真を撮るシーンって・・・年に1回あるのかしら??って感じです。

クリップオンストロボなどの商品は「少しでも良い商品」と考えてしまいますが、使用頻度や撮影場所の広さを考えると「必要なクリップオンストロボ」が見えてきます。
店舗写真などで暗がりになるスペースにクリップオンストロボを忍ばせて光で起こすなどの場合は、「おもちゃストロボ」でも演出効果は出ますよ。
ガイドナンバーはあくまでも目安!、光の届く距離より光の演出に集中した方が写真は綺麗になりますよ。
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商品写真を補正するには「トーンカーブ」などの各種フォトショップの機能を駆使されている方も多いと思いますが、今回は「HDRトーン機能」を使った画像の補正を見ていきましょう!
HDR(ハイダイナミックレンジ)とは本来は異なる露出の画像を合成する機能ですが・・ややこしい!
例えば暗所で人物を撮影した時に人物と背景の明るさが異なる場合、「人物が明るい」+「背景が明るい」2枚の画像(露出の異なる)を合成して1枚の画像に仕上げることができる・・・ざっくりとこんな感覚です(笑)

では画像を複数用意しなければならないか?
今回は難しいことを考えずに、HDRトーン機能を使って「雰囲気のある “ゆるい画像” に仕上げるテクニック」としてご参照下さい。
トーンカーブやレベル補正などで調整しても構いませんが、「簡単・便利」という点では覚えておくと役立ちます。

まずは、今回使用する元画像はこちらです。
元画像

はい、とっても普通の人物写真です・・これをHDRトーンでゆるい画像に仕上げていきます。

HDRトーン補正手順1
フォトショップの「メニュー」→「色調補正」→「HDRトーン」をクリックします。

HDRトーン補正手順2
そうすると編集用の画面が出ますので、「詳細」項目の「彩度」の数値を一旦「0ゼロ」にします。

HDRトーン補正手順3
次に「トーンとディテール」項目の「ディテール」の数値を変更します。
デフォルトでは「プラス+30」になっていると思いますので、この数値をマイナス側に変更していきます。
プレビューにチェックを入れておくと効果を確認しながら変更できます。
今回は「ゆる画像」なのでマイナスに設定しますが、ポイントとしては「やり過ぎないこと!」です。
マイナス側に振り過ぎると、ファンタジー感が増すので(笑)、ご注意を♪


それでは最終的にHDRトーン機能で補正を完了した画像を元の写真と比較してみましょう。

HDRトーン補正仕上がり
いかがでしょうか?
肌の質感や明るさも全体のバランスを保ちながら補正されています。
バナー画像用に写真を加工するときは使ってみると雰囲気が変わって良いかもしれません。

実際の所、商品撮影などで「色を正確に出す画像」についてはもう少し手間は必要ですが、写真加工の遊びとしては、こうしたフォトショップの様々な機能を試してみるもの面白いと思います。
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アパレルモデルが商品撮影で覚えておくべきこと
アパレル向けの商品撮影モデルといえば「服を見(魅)せること」が仕事となりますが、ポージングの基礎や現場での指示などで「自分が描くポーズ」が作れない、または「セオリーを無視した表現が許されるのか?」と自問自答してしまうケースもあると思います。
では “カメラマンが上手い” と感じるポージング表現とはどういう時に生まれるのか?今回はほとんどのカメラマンが感じるであろう「このモデル上手い!」と感じる状況をご説明したいと思います。

駆け出しモデルが陥るミス
まずモデルの仕事についてですが、「1番最初に撮影した現場の雰囲気はどうでしたか?」
たぶん大体の方は「楽しかった!」、「現場の人が上手いとか可愛いと言ってくれた」などのプラスの評価を受けたことでしょう。
ただ・・この言葉に裏の意味があったとしたらどうでしょう?

例えば・・・

「素人さんにしては緊張せずに楽しそうだった。」

「素人さんにしては、上手く動けていた。」

そうです「素人さんにしては」つまり新人にしてはよくやったという評価です。
普通に考えれば撮影キャリアの長いモデルと新人モデルどちらを使いたいかと本音を聞かれれば、答えは明白です。

一般的な撮影の現場でモデルに対して叱るなどの行為があって現場の雰囲気が壊れれば写真に影響してしまいます。
大半の駆け出しモデルが感じる「楽しかった」という印象は、「仕事として成立させなければならない」スタッフの社交辞令というか現場を良くして写真にプラスの影響を出すための努力です。
逆に最初の現場で「モデルとしての改善点を指摘される経験」をした人は非常にラッキーだと思います。

こうした「おだてる行為」はモデル撮影ではテクニックの1つで、楽しい雰囲気ごと写真で表現するには、「被写体を褒める」に尽きます。
きちんとした感覚の持ち主であれば、撮影後に「本当に上手くできたのか?」は自身で分かるはずです。
緊張のあまり頭の中が真っ白だったということであれば、そういう結果という事です。

バイト感覚のモデルが不幸なのは「楽しませてくれる現場ばかり」を経験して実績ができたと勘違いしてしまうことです。
本当の実績とはクライントと撮影スタッフから純粋に好評価をもらうことで、つまり自分では決めにくいものです。
「褒められたから努力はしない」こうした行動が駆け出しモデルにはよくあるミスです。

上手いと感じるポージングの内訳
では「本当の評価」とは何か?
このブログでも再三書いていますが、ポージング(モデルとしての姿勢の取り方)には基本があります。
自分を過大評価しているモデルの場合、「今までに無い表現が良いモデル」と思い込む傾向があります。
確かに目新しい動きや表現は、撮影者にとって新鮮に感じるかもしれませんが、それはあくまでもカメラマンの人物撮影の経験と量によります。
モデルさん自身が「奇抜な表現」と思っていても経験豊富なカメラマンであればあるほど、「それは見たことある・・」という普通の表現だったりします。

このように書くと「もう表現手段など無い」ように感じますが、そうではありません。
「写真のセオリーを崩すタイミング」が大事だということを覚えておくと良いでしょう。
例えば、初対面の人と会話をする時に、最初からタメ口(奇抜な行動)でしゃべっていたのでは、印象は良くありませんが、常識的な礼節をもって接している時に、たまに少し砕けた口調になると印象は良くなると思いませんか?

写真における自己表現とは「基本の中でチャレンジする表現を入れる」こうした瞬間に撮影者は「何かが変わった」と感じるものです。
以下に5枚の写真を撮った時のポーズの内訳を簡単に説明します。

基本ポージングと個性の出し方
左のポージング推移は「基本的なポーズの中に個性的なポーズを1カット入れる動き」、対して右側は「個性重視で1カットだけ基礎的なポーズ」が入るパターンです。
クライアントからすれば、商品を説明するためのモデル着用画像として捉えた場合、基礎的なポーズを重視した動きの方が「使える写真」が多くなることになります。
逆に説明用と捉えた場合、右側の個性の強い動きは、クライアントの意図から外れた写真を量産していることになります。

当然、撮影者(カメラマン)はクライアントの意思に沿った写真を撮ろうとするので、無駄に個性の強い写真はシャッターの無駄押しになります。
上手いと感じる瞬間とは「クライアントの意思を尊重しながら、個性的なポーズでモデル側の提案ができている」ということで、「どこかの雑誌でこんなポーズしてたからやってみた・・・」というのは求められている表現が違えば「ただのお遊び表現」でしかありません。

アパレルモデルのポージング表現というのは、考え込むほど難しくなります。
そうした時に役立つ・救いの手段が「基礎を繰り返す動き」コレに尽きます。
突発的なポーズは「その時の状況によって変化」しますが、基礎が身に付いていればどのようなジャンルの服がきても「冷静に対処」できます。
頭の中がクールになっていれば、服のポイントや形状を考える余裕が生まれるので、それらを踏まえた「個性的なポーズ」を表現できます。

ポージングが上手いと感じさせる秘訣は「どんな動きをしても綺麗に見える基礎的なポーズ」が前提にあり、その中からオリジナリティー溢れる表現へと繋がります。
しかし、基礎を覚え込むには地味な努力が必要です。
モデルを志すほとんどの人が「基礎の段階で挫折します」、つまり「基礎さえしっかりできれば、差別化ができる」とも考えられますので、評価をされるために個性的になろうとせず、評価されるためには何が必要かを見つめ直すことが上達への近道だと考えます。
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ネイルによる商品撮影の失敗
モデルのネイル?商品撮影の時に気にされたことはありますか?

弊社の場合は、「撮影時のネイルの装飾や過度な着色は厳禁」としています。
女子的にはプライベートにちょっとお金をかけて可愛くネイルを仕上げて、撮影が入ると落とさなければならない・・
少し可哀想ではありますが、ノーマルな状態でなければ撮影はしません。

「これくらいの装飾なら大丈夫!」

というモデル個人の判断とクライアントの判断は違うため、指定がなければネイルの装飾はご法度です。
なぜこのような当たり前のことを書くのかと言うと、実は私にも過去に苦い経験があります。

商品撮影サービスを始めて、「一般のモデル(撮影未経験者)」を扱うようになり、今まで事務所モデルを相手にしていたので、こうした撮影上の常識ということが素人さんは知らないという現実がありました。
苦い経験というのは、かれこれ7年近く前になりますが、撮影に来た新人さんの爪が「人工爪(スカルプチャーネイル)で完全に装飾」されていました・・
除光液で何とかできるレベルではなく、仕方なくその日は帰って頂きました。

どうしてネイルにこだわるのか?
ご存じない方は「そこまでネイルにこだわる必要がないのでは?」と感じるかもしれませんが、アパレル商品撮影というのは、クライアントが用意した商品(衣装)です。
当然のことですが、モデルがプライベートで着ているジャンルやカラーとは異なる場合が多く、「普段着ている服とクライアントの衣装ではネイルが似合わない」ケースが多いのです。

では逆にクライアントの衣装と、たまたま個人的に装飾したネイルとの相性が良ければ許されるのか?
答えはNO(ノー)です!
あくまでもクライアントから指示が無い限りは「ノーマルな状態にする」これが常識です。

ここで1つ商品撮影でよくある「パーツ写真」を見て頂き、ネイルの装飾で写真にどのような影響があるか確認してみましょう。
今回は擬似的にネイルの色だけ加工していますが、いわゆるデコネイルでは、さらにひどい結果となります。

ネイルによる写真の見え方
左側は「何も装飾されていない状態」、右側は「ネイルにカラーが入っている状態」です。
いかがでしょうか?
アウターのポケット部分を表現する写真ですが、一瞬写真を見たときに左の写真は「素直にポケットに目が向く」、対して右側の写真はネイルとポケットに視線が分散され「見せたい部分がボケる」ことになります。

服とネイルとの相性の問題以外に致命的なポイントは「ネット閲覧時の消費者の目線行動」です。
ややこしい表現ですが、簡単に説明すると、ネットで商品を買おうとしている人が写真を見る時間は1秒程度です。
つまりスクロールしながら見ることを想定するなら「一瞬で必要な情報を届けなければなりません」
この場合は「商品のポケット部分」です。

目線が爪かポケットで迷う(目線が泳ぐ)ようなら伝達力は半減します。
無駄な情報は排除して、「見せたいものに集中させる」これもモデル撮影の基本です。

コーディネート全体を見せる商品写真とトップスのみを見せる表現が違うように、「クライアントが何を伝えたいのか」を理解することで写真品質は向上しますが、無意味な装飾はどれだけ綺麗で可愛い写真であっても「商品写真」の本質からは外れていきます。

結論として無駄な自己主張をするネイルの装飾は商品撮影には必要ないということです。
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